domingo, 12 de junio de 2016
sábado, 4 de junio de 2016
FÉLIX LOPE DE VEGA Y CARPIO
Lope de Vega
(Félix Lope de Vega y Carpio, Madrid, 1562-id., 1635) Escritor
español.
Lope de Vega
Lope de Vega procedía de una familia humilde y su vida fue sumamente agitada y llena de lances amorosos. Estudió en los jesuitas de Madrid (1574) y cursó estudios universitarios en Alcalá (1576), aunque no consiguió el grado de bachiller.
Debido a la composición de unos libelos difamatorios contra la comedianta Elena Osorio (Filis) y su familia, por desengaños amorosos, Lope de Vega fue desterrado de la corte (1588-1595). No fue éste el único proceso en el que se vio envuelto: en 1596, después de ser indultado en 1595 del destierro, fue procesado por amancebamiento con Antonia de Trillo.
Estuvo enrolado, al menos, en dos expediciones militares: una
fue la que conquistó la isla Terceira en las Azores (1583), al mando de don
Álvaro de Bazán, y la otra, en la Armada Invencible. Fue secretario de varios
personajes importantes, como el marqués de Malpica o el duque de Alba, y a
partir de 1605 estuvo al servicio del duque de Sessa, relación sustentada en
una amistad mutua.
Lope se casó
dos veces: con Isabel de Urbina (Belisa), con la que
contrajo matrimonio por poderes tras haberla raptado antes de salir desterrado
de Madrid; y con Juana de Guardo en 1598. Aparte de estos dos matrimonios, su
vida amorosa fue muy intensa, ya que mantuvo relaciones con numerosas mujeres,
incluso después de haber sido ordenado sacerdote. Entre sus amantes se puede
citar a Marina de Aragón, Micaela Luján (Camila Lucinda), con
la que tuvo dos hijos, Marcela y Lope Félix, y Marta de Nevares (Amarilis y Marcia Leonarda),
además de las ya citadas anteriormente.
Obras de Lope de Vega
La obra y la biografía de Lope de Vega presentan una gran
trabazón, y ambas fueron de una exuberancia casi anormal. Como otros escritores
de su tiempo, cultivó todos los géneros literarios.
La primera
novela que escribió, La Arcadia (1598),
es una obra pastoril en la que incluyó numerosos poemas. En Los pastores de Belén (1612), otra novela pastoril pero «a
lo divino», incluyó, de nuevo, numerosos poemas sacros. Entre estas dos
apareció la novela bizantina El peregrino en su patria (1604), que incluye cuatro autos
sacramentales. La Filomena y La Circe contienen cuatro novelas cortas de
tipo italianizante, dedicadas a Marta de Nevares. A la tradición de La Celestina, la
comedia humanística en lengua vulgar, se adscribe La Dorotea, donde
narra sus frustrados amores juveniles con Elena Osorio.
Su obra
poética usó de todas las formas posibles y le atrajo por igual la lírica
popular y la culterana de Luis de Góngora, aunque, en general, defendió el «verso
claro». Por un lado están los poemas extensos y unitarios, de tono narrativo y
asunto a menudo épico o mitológico, como, por ejemplo La Dragontea (1598); La hermosura de Angélica (1602), inspirado en el Orlando de Ariosto; Jerusalén conquistada (1609),
basada en Torquato Tasso; La Andrómeda (1621)
y La Circe (1624). De temática religiosa es El Isidro (1599) y también los Soliloquios amorosos (1626). La Gatomaquia (1634) es una parodia épica.
En cuanto a
los poemas breves, su lírica usó de todos los metros y géneros. Se encuentra
recogida en las Rimas (1602), Rimas sacras (1614), Romancero espiritual (1619), Triunfos divinos con otras
rimas sacras (1625), Rimas humanas y divinas del
licenciado Tomé de Burguillos (1634)
y la Vega del Parnaso (1637).
El teatro de Lope
Donde
realmente vemos al Lope renovador es en el género dramático. Después de una
larga experiencia de muchos años escribiendo para la escena, Lope compuso, a
petición de la Academia de Madrid, el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). En
él expone sus teorías dramáticas, que vienen a ser un contrapunto a las teorías
horacianas, expuestas en la Epístola a los Pisones.
De las tres
unidades -acción, tiempo y lugar-, Lope sólo aconseja respetar la unidad de
acción para mantener la verosimilitud, y rechaza las otras dos, sobre todo en
las obras históricas, donde se comprende el absurdo de su observación; aconseja
la mezcla de lo trágico y lo cómico (en consonancia con el autor de La Celestina): de
ahí la enorme importancia de la figura del gracioso en su teatro y, en general,
en todas las obras del Siglo de Oro; regulariza el uso de las estrofas de
acuerdo con las situaciones y acude al acervo tradicional español para extraer
de él sus argumentos (crónicas, romances, cancioncillas).
En general, las obras teatrales de Lope de Vega giran en torno a
dos ejes temáticos, el amor y el honor, y su público es de lo más variado,
desde el pueblo iletrado hasta el más culto y refinado. De su extensísima obra,
más de «mil quinientas» según palabras del propio autor, se conservan unas
trescientas de atribución segura.
La temática
es tan variada que resulta de difícil clasificación. El grupo más numeroso es el
de comedias de capa y espada, basadas en la intriga de acción amorosa: La dama boba, Los melindres de
Belisa, El castigo del discreto, El caballero del milagro, La desdichada Estefanía, La discreta enamorada, El castigo sin venganza, Amar sin saber a quién y El acero de Madrid. De tema caballeresco: La mocedad de Roldán y El marqués de Mantua. De tema bíblico y vidas de
santos: La creación del mundo y El robo de Dina. De
historia clásica: Contra valor no hay desdicha. De sucesos históricos
españoles: El bastardo Mudarra y El duque de Viseo.
Sus obras
más conocidas son las que tratan los problemas de abusos por parte de los
nobles, situaciones frecuentes en el caos político de la España del siglo XV;
entre ellas se encuentran La Estrella de Sevilla, Fuente Ovejuna, El mejor alcalde, el rey,Peribáñez y el comendador de
Ocaña y El caballero de Olmedo.
De tema amoroso son La doncella Teodor, El perro del hortelano, El castigo del discreto, La hermosa fea y La moza de cántaro.
EL CINE FRANCÉS
EL CINE FRANCÉS TRAS LA II GUERRA MUNDIAL
En la
década de 1940, los principales nuevos realizadores fueron Robert Bresson y
Jacques Tati. Las historias de redención del primero, desde Las mujeres del bosque de Bolonia (1945), Diario de un cura de campaña (1950), Un condenado a muerte se ha fugado (1956), El azar de Baltasar (1966), hasta El dinero (1983) rezuman una austeridad
estilizada y un rigor que durante más de treinta años distinguirían su trabajo
del de otros cineastas. Sus películas resultan “difíciles” por su falta de
adornos y por ir en contra de las expectativas de los espectadores sobre cómo
debe contarse una historia.
Pero la
sobria y estoica aceptación de los problemas de la vida de que hacen gala obras
como las ya señaladas antes, Le
journal d'un curé de campagne (1950)
y Un condenado a muerte se ha
fugado (1956), las dota de
una belleza clásica y grave que ha convertido a Bresson en uno de los
directores más respetados en Francia. Con la primera compone un “diario”
mostrando a un joven sacerdote sentado a la mesa y escribiendo. Después, se
asiste al desarrollo de la acción. El mismo procedimiento se repite en cada
secuencia. El público fue sensible a la humanidad del personaje, magníficamente
expresada por el debutante Claude Laydu. El film recibió el Premio Louis
Delluc.
La
ausencia de actuación en las películas de Bresson y la peculiar forma de
comportarse de sus protagonistas (con la mirada casi siempre baja y movimientos
bruscos) implican que los conflictos interiores se revelan mejor por medios
indirectos, en este caso superando las convenciones teatrales y centrándose en
los estados anímicos, que se manifiestan con independencia de la voluntad
consciente del actor.
Por su
parte, Jacques Tati, procedente del music-hall,
comenzó su andadura por el cine haciendo cortos. Su primer corto fue Champion de tennis (1932) que, aunque era técnicamente
deficiente, le ayudó a ir creando el personaje extravagante.
Día de
fiesta (1949) sería el debut de Tati en los largometrajes. Esta
película lo consagró definitivamente al obtener el premio al mejor guión en el
Festival de Venecia y, en 1950, el Grand Prix du Cinéma en el de Cannes.
Después realizó Las vacaciones
de monsieur Hulot (1953), en
la que introduce a su personaje cómico característico, un enloquecido fumador
en pipa, que él mismo interpreta en ésta y en sus siguientes películas. Sus
gestos, movimientos y ruidos (sin diálogos), serían las piedras angulares del
arte de Tati que le llevarían a Mi
tío (1958), su mayor éxito, y Playtime (1967), donde hace un uso innovador de
la película en 70 milímetros. Al final de su vida, con ciertas dificultades
económicas, sus intentos de adaptar su querido personaje de Hulot al ambiente
más áspero de finales del siglo XX no tuvieron éxito. En 1979, recibió el Gran
Premio Nacional de las Artes y las Letras del gobierno francés.
Nunca el
cine francés vio renovarse su personal tan generosamente, tan fácilmente, como
en los años cincuenta. A esta renovación se le suele dar el nombre de Nouvelle Vague, expresión cuyo
éxito se debe a lo gráfico de la imagen, pero que no encaja en la realidad
porque debe tener un sentido preciso y, en cierto modo, revolucionario, que no
conviene a todos los que han dado sus primeros pasos como realizadores desde
1950.
René
Clair filma, tras regresar del exilio, en 1947, El silencio es oro, una bella
reconstrucción de los primeros tiempos del cine. En su siguiente filme, La belleza del diablo (1950), se sirve del tema de Fausto
para alertarnos sobre una amenaza atómica. Más tarde, realiza Mujeres soñadas (1952), Las maniobras del amor (1955), ambas con Gerard Philipe; Puerta de las Lilas (1957), con el que regresa al ambiente
popular, y Fiestas galantes (1965), su última película y cuya
importancia reside en los medios materiales puestos a su disposición. El 17 de
junio de 1960 es nombrado miembro de la Academia Francesa, lo cual contribuye a
que el cine sea considerado oficialmente como un hecho cultural; sin embargo,
su obra cinematográfica no siempre ha sido bien acogida por la crítica joven.
Renoir y
Max Ophuls, huidos de los nazis durante la guerra (Ophuls, judío alemán, ya
había huido antes a Francia por la misma razón), volverían de Hollywood en la
década de 1950, para proseguir su labor. En el caso de Ophuls dio frutos como La ronda (1950), El placer (1952), Madame de… (1953), con un tema que recuerda a
Liebelie, y Lola Montes (1955), una biografía de la favorita
de Luis I de Baviera sin mucha relación con la verdad histórica y que
constituye su obra maestra del cinemascope mutilada antes de su exhibición, que
son quizá sus mejores logros. Con él había llegado también su hijo Marcel, hoy
una gran figura del documental, de entre cuyas películas destacan Le Chagrin et la pitié (1971), crónica de Clermont-Ferrand
durante la ocupación alemana, realizada para la televisión francesa, que se
negó a emitirla, y Hotel
Terminus (1988), sobre las
actividades del nazi Klaus Barbie, producida sin ningún apoyo financiero
francés, por la causticidad de su análisis de la Francia ocupada por los nazis.
Renoir,
en su nueva etapa, renuncia al tono comprometido de sus filmes anteriores.
Rueda en Italia La carroza de oro (1952), retrato de una compañía de cómicos
ambulantes, luego, French Can-Can (1954), un homenaje al impresionismo de
Toulouse-Lautrec; Elena y los hombres (1956), un cuadro de costumbres
parisienses; Comida en la hierba (1959), una sátira sobre los científicos, y El
testamento del Dr. Cordelier (1962), sobre el tema del Dr. Jeckill.
En otro
orden de cosas, el éxito de las películas de Roger Vadim protagonizadas por su
esposa Brigitte Bardot (más tarde se separarían), de las que Y dios creó a la mujer (Et Dieu créa la femme, 1956),
fue el primero, mostraron que había un mercado potencial para las películas
dirigidas a los jóvenes espectadores, nuevos y numerosos. Algunos consideran a
Vadim sólo un adelanto al movimiento renovador. Con esta película, lanzó al
mundo entero un nuevo tipo de mujer, mezcla de candor, ingenuo y perversidad.
El éxito de la cinta se vio acrecentado por las protestas de las ligas de
decencia y por los ataques de la censura, atentos más a escenas de cierto
atrevimiento erótico que a lo que podía representar de novedosa la postura
femenina encarnada por la protagonista. A partir de entonces se hicieron inmediatamente
famosas las siglas B. B. Más tarde, el cine de Roger Vadim derivó hacia caminos
más comerciales en menosprecio de su originalidad.
Sus
filmes representan en Francia, desde 1956, una tradición que viene de
Hollywood; son, a la vez, film de autor y de productor. Encierran ya el éxito,
tanto por lo que atañe a la estrella como al guión, al color, al cinemascope,
al refinamiento estético, y se envuelven en una publicidad bien dirigida.
Algunos
productores franceses comenzaron a respaldar a otros jóvenes cineastas capaces
de trabajar rápido o con recursos mínimos. Los más destacados en aprovechar
esta oportunidad de producción, fueron un grupo de jóvenes críticos, entre los
que estaban Claude Chabrol, Jean Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer y François
Truffaut, que mientras aprendían su oficio en las pantallas de la cinemateca
francesa fundaban, apadrinados por André Bazin, Cahiers du Cinéma, la revista de crítica de cine más
prestigiosa del mundo.
El
trabajo de estos directores rompió en varios sentidos las convenciones del
estilo tradicional de hacer cine: no respetaba la estructura tradicional de los
guiones y las transiciones formales suaves, hacía movimientos de cámara
evidentes, se saltaba el eje de acción y rechazaba el brillo de la iluminación
de estudio. Godard, Truffaut y su operador Raoul Coutard, lideraron la vuelta a
las localizaciones naturales, incluso en escenas de interiores. Esta forma de
trabajar encajaba a la perfección con la espontaneidad de nuevos intérpretes
como Jeanne Moreau, Anna Karina, Jean-Paul Belmondo, Jean-Pierre Léaud o
incluso Brigitte Bardot, estrella del antiguo estilo. También contribuyó a
hacer posible esta nueva forma de rodar la introducción de la cámara ligera
Cameflex, de 35 mm, fabricada por la compañía Éclair desde 1948. De un modo
semejante, los experimentos de Chris Marker y el antropólogo Jean Rouch con las
cámaras ligeras y silenciosas Éclair de 16 mm, revitalizarían el documental.
Pierre Braunberger sería el financiero de muchos de estos avances, tras haber
producido una serie de cortometrajes muy relevantes de Alain Resnais, que
pasaría al largometraje en 1959 con Hirosima,
mon amour, sobre texto de
Marguerite Duras.
En ese
mismo año también debutaba en el largometraje de ficción otro cineasta algo
mayor, Georges Franju, que había sido cofundador junto con Henri Langlois de la
cinemateca en 1934. Antes, Franju se había dedicado al documental, con
resultados tan notables como La
sang des bêtes (La sangre
de las bestias, 1948) u Hôtel des Invalides (1951). Otras figuras importantes de
la nouvelle vague fueron Agnès Varda, que provenía del
reportaje gráfico y su marido Jacques Demy.
Claude
Chabrol rodó su primer filme, El
bello Sergio (Le beau
Serge), en 1958, con un dinero que heredó de su mujer. Con escaso
presupuesto y actores desconocidos, su éxito de crítica y de público fue tal
que ese mismo año pudo rodar Los
primos (Les cousins),
un testimonio de una juventud de posguerra sin reglas ni leyes que se debate
entre el deber y el placer; sin embargo, a partir del fracaso de Les bonnes femmes (1960), se dedicó a un cine de encargo
-Landrú (1962), El tigre se perfuma con dinamita (1965), Champaña para un asesino(1966)-,
hasta que con Les biches (1968) inauguró una etapa, la mejor,
con unas películas que profundizan en el estudio del alma humana: La mujer infiel (1968), El carnicero (1970), Al anochecer (1971) y La década prodigiosa (1972).
Jean-Luc
Godard, figura emblemática del movimiento, haría desde Al final de la escapada (A bout de souffle, 1959),
hasta Weekend (1967), un verdadero viaje de
descubrimiento a través de 15 películas y varios cortometrajes, en los que
experimentó con nuevos recursos para el cine narrativo. Este enfoque
experimental de buena parte del cine de esta corriente hizo creer durante un
tiempo que las convenciones de la construcción cinematográfica habían sido
superadas, pero según confluían a mediados de los sesenta la nouvelle vague y las principales productoras, se
hacía cada vez más difícil distinguir entre los trabajos de Truffaut, por
ejemplo, y los de Louis Malle, director con talento pero más convencional, que
había comenzado su carrera como director al mismo tiempo que los de la nouvelle vague. En consecuencia, las películas
francesas más interesantes durante más de una década no tendrían nada que ver
con el movimiento, y serían las del veterano exiliado español Luis Buñuel.
Sólo
Godard y Rivette persistieron en su enfoque experimental, seguidos en los
setenta por Marguerite Duras que, en películas como Nathalie Granger (1972), Canción india (1974) y Le camion (1977), continúa explorando las
relaciones entre sonido e imagen, narración y memoria, pasado e imaginación,
que caracterizaron más que a la nouvelle
vague inicial a la nouveau roman (nueva novelística) de la que ella era
una representante destacada.
Otro
portaestandarte de la “nouvelle vague” es François Truffaut, violento
polemista en el curso de su carrera cinematográfica y demoledor despiadado de
viejas glorias en su época de crítico. Se inició con Los cuatrocientos golpes (Les quatre-cent coups, 1959). El
título traducido al pie de la letra no quiere decir nada. Esta película es una
mirada subjetiva al mundo de la adolescencia, de gran contenido autobiográfico.
Su protagonista, Anton Doinel y el actor que lo encarna, Jean Pierre Leaud,
aparecen en distintas etapas de su vida en otros filmes del realizador;El
amor a los veinte años (1962),
el primer amor; Besos robados (1969), trabajo y noviazgo; Domicilio conyugal (1970), matrimonio; L'amour en fuit (1978), fracaso amoroso. En Jules et Jim (1961) presenta el amor y la amistad a
través de la relación amorosa compartida entre una mujer (Jean Moreau) y dos
íntimos amigos. El sentimiento amoroso es analizado también desde otros ángulos
en La piel suave (1964), otra historia con triángulo; La novia vestía de negro (1967), donde un amor truncado después
de la boda incita a la venganza; La
historia de Adèle H (1975) y La mujer de al lado (1981), dos historias de amor con
circunstancias y matices muy distintas, pero ambas con un desenlace trágico.
En 1980
trabajó con Catherine Deneuve, cuyo verdadero nombre es Catherine Dorléac, en “El
último metro”, un homenaje al teatro y que tuvo mucho éxito. Por esta
película, esta actriz francesa obtuvo el Oscar a la mejor actriz. En cualquiera
de los casos, la fina sensibilidad del realizador le impide caer en fáciles
exhibicionismos.
Teniendo
en cuenta a estos directores, películas y actores, podemos sintetizar las
características de la Nouvelle
vague en los siguientes
puntos:
- · Se trata de un cine de autor.
- · Es un cine estético, no comprometido. El único interés de sus realizadores es hacer cine, no es educación, ni política, ni crítica social.
- · Improvisación y naturalidad social frente a la cuidada elaboración del cine tradicional.
- · Tendencia hacia el análisis psicológico de los personajes.
- · Reducidos presupuestos económicos.
EL CINE FRANCÉS HOY
Las
películas francesas obtienen con frecuencia buenos resultados de taquilla, como Los visitantes (1992, Jean Marie Poiré), uno de los
mayores éxitos comerciales europeos de principios de la década de 1990. Pero la
pasión y el carácter experimental que caracterizaron las obras maestras de la
edad de oro o la nouvelle
vague inicial son hoy
difíciles de encontrar. Incluso muchos de los más recientes experimentos de
Godard, o un proyecto tan personal como el de Bertrand Tavernier en Daddy Nostalgie (1990), parecen emocionalmente blandas
en comparación con las de épocas pasadas.
Parte del
problema procede probablemente de un cambio en los sistemas de exhibición
producido a finales de la década de 1980, que no era otra que la adopción en
Francia de las políticas de marketing de Hollywood: un alto presupuesto en
publicidad y la exhibición simultánea de una sola película hasta en 50 salas.
Así, no queda espacio de exhibición y los canales de distribución se estrechan
(y con ello la producción independiente) al no dar lugar a que una película más
arriesgada o más personal gane audiencia gradualmente, como resultado de la
recomendación de espectador a espectador. Quedan pocas películas con
posibilidades de distribución autónoma, y éstas deben ser apoyadas por una
fuerte inversión promocional-publicitaria, que determinará a la postre una
actitud muy conservadora en las grandes productoras y distribuidoras.
Aunque
haya grandes estrellas, como Gérard Depardieu, al que se le recuerda desde sus
primeros trabajos con Truffaut hasta sus más recientes éxitos como el Cyrano de Bergerac (1990) de Jean-Paul Rappeneau, basado
en la obra de Edmond Rostand, las estrellas por sí solas no crean las
películas, aunque contribuyan a su grandeza.
domingo, 22 de mayo de 2016
MANOS UNIDAS
MANOS UNIDAS ES . . .
Manos Unidas es
la ONG de desarrollo de la Iglesia católica y de voluntarios, que trabaja para
apoyar a los pueblos del Sur en su desarrollo y en la sensibilización de la
población española. Nuestros ingresos provienen, en un 87,1 %, de fuentes
privadas y en un 12,9 % del sector público.
Tanto la sede de los Servicios Centrales como la de las 71 delegaciones de
Manos Unidas están ubicadas en España.
Manos Unidas NO tiene ni oficinas, ni delegaciones ni directivos fuera del
territorio español. Ninguna organización o institución puede alegar que actúa
en nombre o por delegación de Manos Unidas fuera de España.
Misión
Luchar contra
el hambre, la deficiente nutrición, la miseria, la enfermedad, el subdesarrollo
y la falta de instrucción;
y trabajar para erradicar las causas estructurales que las producen: la injusticia, el desigual reparto de los bienes y las oportunidades entre las personas y los pueblos, la ignorancia, los prejuicios, la insolidaridad, la indiferencia y la crisis de valores humanos y cristianos (Estatutos, Art. 5º).
y trabajar para erradicar las causas estructurales que las producen: la injusticia, el desigual reparto de los bienes y las oportunidades entre las personas y los pueblos, la ignorancia, los prejuicios, la insolidaridad, la indiferencia y la crisis de valores humanos y cristianos (Estatutos, Art. 5º).
Visión
Nuestra visión,
cuyo fundamento es el Evangelio y la Doctrina social de la Iglesia, es que cada
persona, hombre y mujer, en virtud de su dignidad e igualdad fundamental, sea
capaz de ser, por sí mismo, agente responsable de su mejora material, de su
progreso moral y de su desarrollo espiritual, y goce de una vida digna.
Valores
La cultura que
orienta nuestra organización y la gestión de los recursos está conformada por
los siguientes valores:
Valores finales:
Valores finales:
·
La dignidad de la persona, eje y
fundamento de todo proyecto social, económico, político y cultural.
·
El destino universal de los bienes,
orientados a garantizar condiciones de vida digna para todos.
·
El bien común, que se considera alcanzado
cuando los derechos humanos son garantizados, respetados y promovidos.
·
La Solidaridad, como determinación firme
de trabajar por la justicia, de manera organizada y perseverante, por la vida
digna de las personas más empobrecidas de la tierra, en África, Asia y América.
·
La subsidiariedad, no imponiendo nuestro
modo de ver y hacer las cosas, sino respondiendo a demandas de las mujeres y
hombres de los pueblos del Sur y compartiendo con ellos la responsabilidad de
su propio desarrollo.
Valores instrumentales:
Valores instrumentales:
·
El voluntariado como cultura del servicio
y la gratuidad, como alternativa a la competitividad y el economicismo, en
orden a la transformación más justa y solidaria de la sociedad. El voluntario
asume las responsabilidades de los órganos de gobierno, dirección y gestión.
·
La austeridad en los gastos y en el
consumo, orientada al compartir y al desarrollo de estilos de vida sostenible,
respetuosos con el medio ambiente.
·
La cultura de la paz, construida sobre el
diálogo, la reconciliación, la amistad y el respeto por la vida, no colaborando
en ningún caso con acciones bélicas, partidistas o que impliquen violencia al
ser humano o a la naturaleza.
·
La cooperación y la coordinación con otras
organizaciones del Sur para atender las solicitudes de todas las personas en
situación de exclusión, sin distinción de sexo, raza, país o religión.La
independencia de actuación en la elección de campañas de sensibilización y en
el apoyo a proyectos de desarrollo.
·
La calidad y la profesionalidad en todas
sus actividades.
·
La transparencia en la captación, gestión
y administración de los recursos, en orden a una mayor independencia económica.
El proceso de definición de la misión, la visión y los valores se corresponde con la cultura de la
participación, la transparencia y la corresponsabilidad practicada en todos los
ámbitos de la Organización, en las 70 Delegaciones en España y en los Servicios
Centrales.
Historia y
principales hitos
La de Manos
Unidas es la historia del esfuerzo de miles de personas del Norte y del Sur
hermanadas, desde hace más de 50 años por un fin común: hacer desaperecer las
fronteras del hambre en el mundo.
MIGUEL DE CERVANTES SAAVEDRA
Miguel de Cervantes Saavedra
Dramaturgo, poeta y novelista español.
Considerado como el más grande escritor español de todos los tiempos, y uno de los mejores escritores universales.
Nació, probablemente, el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares, Madrid.
Fue bautizado en la iglesia de Santa María el 9 de octubre de 1547. Fue el cuarto de siete hijos del cirujano-barbero Rodrigo de Cervantes y de Leonor de Cortinas.
Parece ser que estudió con los Jesuitas en Córdoba o Sevilla y quizás en Salamanca.
Durante su adolescencia vivió en distintas ciudades españolas (Madrid, Sevilla).
Cuando cumplió veinte años, abandonó su país para abrirse camino en Roma, ciudad donde estuvo al servicio del Cardenal Acquaviva. Recorrió Italia, se enroló en la Armada española, y en 1571, participó en la batalla de Lepanto. Fue en esta batalla, donde perdió el movimiento del brazo izquierdo, por lo que fue llamado el Manco de Lepanto, a pesar de ello siguió combatiendo en batallas posteriores como Túnez o Corfú.
Mientras regresaba a España, en el año 1575, fue apresado por los corsarios y trasladado a Argel, donde sufrió cinco años de cautiverio (1575-1580). Es liberado gracias al rescate pagado por el fraile trinitario fray Juan Gil. El 27 de octubre llega a las costas españolas y desembarca en Denia (Valencia) su cautiverio ha durado en total cinco años y un mes.
Partió hacia Madrid y a su llegada, se encontró a su familia en la ruina. Se relacionó a principios de 1584 con Ana Villafranca en una taberna en la calle Tudescos, regentada por un asturiano, el marido de esta joven de 19 años. En otoño del mismo año (cuando se acababa de prometer con su futura esposa Catalina), nació su hija Isabel, hecho que el escritor ocultó durante algún tiempo. Muchos años después, el escritor le dio su segundo apellido, Saavedra. En septiembre de 1584 viajó a Esquivias y allí conoció a la joven hidalga de 19 años llamada Catalina de Salazar y Palacios; el flechazo fue instantáneo y prometieron casarse en ese mismo año. Cervantes tenía 37 años. Pronto dejó en Esquivias a su mujer para buscarse la vida por otros lugares de España. Catalina liquidó la herencia materna en provecho de sus hermanos y le acompañó a Valladolid. Ya no se volvieron a separar hasta su muerte. Las condiciones de vida parece ser que fueron miserables ocupando un cuchitril a orillas del río Esgueva. Su esposa no fue capaz de concebir un bebé, hubo de soportar el cautiverio de su marido en cárceles de Sevilla, y admitir a una hija de otra mujer.
Publica La Galatea (1585) y lucha, sin éxito, por destacar en el teatro. Sin medios para vivir, marcha a Sevilla como comisario de abastos para la Armada Invencible y recaudador de impuestos. Es allí donde le encarcelan por irregularidades en sus cuentas. Cuando es puesto en libertad se traslada a Valladolid. Es posible que se iniciara en la literatura bajo la supervisión y en la amistad del humanista y gramático López de Hoyos. De nuevo es encarcelado a causa de la muerte de un hombre delante de su casa. En 1606 regresa con la Corte a Madrid. Vive con apuros económicos y se entrega a la creación literaria.
Entre 1590 y 1612 escribió una serie de novelas cortas que, después del reconocimiento obtenido con la primera parte del Quijote en 1605, acabaría reuniendo en 1613 en la colección de Novelas ejemplares. Esta colección se inicia con La gitanilla, fantasía poética creada en torno a la figura de Preciosa y la relación entre la gitanilla y un joven capaz de renunciar a su alcurnia por amor. En contraste con tan embellecido marco sigue El amante liberal, novela bizantina de amor y aventuras, con las adversidades que Ricardo y Leonisa han de superar antes de su matrimonio.
Don Quijote de la Mancha, considerada obra universal, se cree que la comenzó a escribir mientras se encontraba en la cárcel a finales del siglo XVI. En el verano de 1604 estaba terminada la primera parte, que apareció publicada a comienzos de 1605 con el título de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, tuvo un éxito inmediato.
En 1614 aparecía en Tarragona la continuación apócrifa escrita por alguien oculto en el seudónimo de Alonso Fernández de Avellaneda, quien acumuló en el prólogo insultos contra Cervantes. Por entonces éste llevaba muy avanzada la segunda parte de su inmortal novela. La terminó muy pronto, acuciado por el robo literario y por las injurias recibidas. Por ello, a partir del capítulo 59, no perdió ocasión de ridiculizar al falso Quijote y de asegurar la autenticidad de los verdaderos don Quijote y Sancho.
Esta segunda parte apareció en 1615 con el título de El ingenioso caballero don Quijote de la Mancha. En 1617 las dos partes se publicaron juntas en Barcelona. Y desde entonces el Quijote se convirtió en uno de los libros más editados del mundo y, con el tiempo, traducido a todas las lenguas con tradición literaria. En 2002, esta obra literaria fue votada como la mejor de la historia en una votación en la que participaron 100 escritores de 54 nacionalidades diferentes. Cervantes no creía que ésta fuera su mejor obra pensando que lograría más fama por otros escritos como las Novelas Ejemplares.
Cervantes afirmó varias veces que su primera intención era mostrar a los lectores de la época los disparates de las novelas de caballerías. En efecto, el Quijote ofrece una parodia de las disparatadas invenciones de tales obras. Pero significa mucho más que una invectiva contra los libros de caballerías.
En sus últimos años publica además de las Novelas ejemplares (1613), el Viaje del Parnaso (1614),Ocho comedias y ocho entremeses (1615). El triunfo literario no lo libró de sus penurias económicas. Durante sus últimos meses de vida, se dedicó a Los trabajos de Persiles y Segismunda(de publicación póstuma, en 1617).
En 1616, enfermó de hidropesía, en abril profesa en la Orden Tercera. El 18 del mismo mes recibe los últimos sacramentos y el 19 redacta, "puesto ya el pie en el estribo", su último escrito: la dedicatoria del Persiles.
Miguel de Cervantes Saavedra falleció el 23 de abril de 1616 en Madrid y es enterrado con el sayal franciscano, en el convento de las Trinitarias Descalzas de la actual calle de Lope de Vega. Solo conservaba seis dientes, tenía la columna vertebral combada y acusaba los impactos en el esternón de los pelotazos de plomo de arcabuz recibidos en la batalla de Lepanto en 1571. Diez años después, el 30 de octubre de 1626, se hizo sitio para acoger el cuerpo de Catalina. Los dos cadáveres permanecieron bajo la nave hasta que, en 1671, el viejo convento fue derribado y sobre sus cimientos se levantó uno nuevo..
Obras
La Galatea (1585)
El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha (1605)
Novelas ejemplares (1613)
El ingenioso caballero don Quijote de la Mancha (1615)
Los trabajos de Persiles y Sigismunda (1617)
Novelas ejemplares
La gitanilla
El amante liberal
Rinconete y Cortadillo
La española inglesa
El licenciado Vidriera
La fuerza de la sangre
El celoso extremeño
La ilustre fregona
Las dos doncellas
La señora Cornelia
El casamiento engañoso
El coloquio de los perros
Fragmento de Don Quijote de la Mancha
CAPÍTULO I
Que trata de la condición y ejercicio del
famoso y valiente hidalgo don Quijote de la Mancha
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